Música nueva al cierre del tercer trimestre del 2022

Por. Salvador Cañas

Karina Galicia/Las sangres

Insistir en poner en nuestros oídos, las narrativas acerca de las diversas violencias en contra de niñas y mujeres, es un compromiso que muchas y muchos atendemos de manera cotidiana, debido a su importancia y trascendencia en nuestra realidad actual. En ese sentido, la más reciente producción de la música, compositora y cantautora mexicana Karina Galicia, nos resulta una experiencia sumamente necesaria, para no desentendernos de la violencia y desigualdad de género, además de la resistencia en la que las mujeres han estado inmersas históricamente y que de igual manera, que estemos atentas y atentos a los paulatinos alcances de sus luchas tanto a nivel internacional como en México, que a pesar de los innumerables costos para alcanzarlos y que gracias al amor como un eje de sus batallas, también en nuestros días celebran sus cuerpos como territorios externos de esos paradigmas que durante mucho tiempo les fueron impuestos.

Desde el R&B como género musical preponderante en su Ep Las sangres, Galicia nos lleva por un pasaje firmemente feminista tan necesario en nuestro país, musicalmente colorido donde igualmente cabe el Pop y el coqueteo con la instrumentación de nuestras músicas regionales, las cuales elegantemente convergen, deleitándonos a través de tránsitos exquisitos inmersos en historias que nos hablan de dolor, violencia, amor y liberación.

J. Zunz/Del aire

Las rutas de la música realizada por mujeres durante nuestros días más cercanos, afortunadamente se han diversificado hacia múltiples lugares alejados de las zonas comunes, como lo viene haciendo desde hace tiempo Lorena Quintanilla, a quien conocimos hace una década con Lorelle Met the Obsolete y que durante este 2022, nos entrega su segunda producción titulada Del aire, que indudablemente nos lleva a lugares rodeados de obscuridades sumamente disfrutables, donde podemos regodearnos en la introspección que a muchas y muchos nos fascina, para sumergirnos en nuestros adentros y escrudiñar en recuerdos difusos, donde el caos es semejante al orden de la experimentación y sus múltiples caminos, que confeccionan otros tipos de orden que asemejan a pasajes sónicos nunca antes escuchados.

Me parece que Quintanilla, poéticamente logra recolectar esas partículas invisibles a a los ojos y a los oídos, para convertirlos en secuencias sónicas, que a partir de que las escuchamos, jamás olvidaremos que flotan. Coexisten y contaminan nuestros entornos cotidianos.  

Mouse on Mars/Spatial Jitter

La experimentación sónica puede ser para muchas y muchos, un universo del cual nunca quisiéramos salir por la infinita experiencia estética en la que nos regosijamos como si fuésemos infancias en un parque de juegos; disfrutando, divirtiéndonos y encontrando nuevas aventuras para esos oídos insaciables e inquietos, dispuestos a los riesgos de lo desconocido, de lo que también puede ser cognitivamente un reto constante, donde los límites propiamente serán los alcances imaginativos de los constructores de estas experiencias y de quienes queremos aprovecharlas.  

Russolo, Cage, Stokhausen, Eno y Tomita, entre otros autores, han dejado un legado importante al respecto de su exploración específica a propósito de la experimentación sonora y musical. En ese sentido, el dueto alemán Mouse on Mars conformado por Juan St Werner y Andy Toma entregan este 2022, el registro de la audio instalación titulada Spatial Jitter, la cual fue presentada durante este año en la Galeria Lenbachhaus y Kunstbau y que es un constante tránsito a través del sonido que se mueve físicamente entre objetos dispuestos estratégicamente en el espacio, con un juego compositivo prediseñado para nuestros oídos y nuestra mente; mediante los retos de las altas y las bajas frecuencias, de lo sónicamente lúdico a lo secuencialmente musical y hasta situarnos en lo deliciosamente ruidoso y áspero para los tímpanos.

Dispuesta en dos tracks con longitud de menos de 45 minutos, la pieza más reciente del dueto alemán, quisiéramos que no terminara, porque sus cualidades sónicas nos invitan a un imaginario capaz de dislocarnos por completo de nuestra cotidianidad y situarnos en un no lugar existente, solamente duarnte el tarnscurso de su escucha.

Man in Motion/E11even

Desde hace más de diez años, Omar Lied y Sarmen lideran al proyecto Man in Motion, el cual es una interesante muestra del Trip Hope y el Down Tempo, que son dos de los géneros de la electrónica con muy poca producción en México, a pesar de que existe un público de nicho realmente atento de dichas vertientes musicales como lo constatamos con las presentaciones de Portishead y Massive Attack en el Festival Corona Capital hace algunos años.

E11even es su tercera producción y nos lleva a lugares que la música electrónica análoga-digital mexicana aun no conocía, las capas sónicas que conforman ésta suave y sutil obscuridad se contienen en una singularidad propia, la cual identificamos como una estética inmersa en la ensoñación de los beats y la profundidad de una voz que constantemente coquetea con registros operísticos fascinantes y adictivos como en las frases corales de la pieza Stardust y en la profundidad alcanzada en Felido e Inhumano, para abrir un camino más luminoso hacia el irremediable juego perceptivo de Four Leaf Clovers.

Man in Motion, sin duda es uno de los de los artífices de la música actual mexicana, que esta abriendo y marcando esas rutas muy pocas veces transitadas por nuestras músicas, donde nuestro contexto específico, lo enriquece de su propia identidad emocional, social y cultural.

Django Latino

Existen en la historia del Jazz varios ejemplos de trabajos que al paso del tiempo se convierten en referentes y citas obligadas, por la contundente prevalencia de sus partituras en su viaje hasta nuestra actualidad, desde estos parámetros el gitano Django Rainhart es uno de esos músicos que hasta nuestro hoy continua siendo tema de escucha y de reinterpretación, así es como lo presentan el trinomio de cuerdas radicado en Alemania y conformado por José Díaz de León, de México, Sven Jungbeck de Alemania y Juan Camilo Villa de Colombia.

Este álbum llamado Django Latino, es uno de los pasajes más interesantes de los últimos años a propósito de las posibilidades de la ejecución y la reinterpretación del Jazz manouche, tan extraordinario por su ritmo construido desde las cuerdas, que nos permiten escuchar el tránsito de los dedos en los acordes, cual metáfora del sincretismo culturo-musical que es resultado dicha producción.

Con trece piezas que se mueven por el Chacha-cha, la cumbia, el mambo, el son jarocho y el swing, la experiencia no nos deja exhaustos, sino por el contrario con ganas de seguir caminando de América a Europa y visceversa, en una constante contaminación, como consecuencia de un método de trabajo e investigación, que pone sobre la mesa la multiculturalidad musical como lenguaje universal.

MIDIlab/Solitud

Ciudad Neza, históricamente ha sido musicalmente hablando, una fuente inagotable con respecto a la cultura del Rock. Ya en el siglo XXI, amplia su espectro de producción musical más allá de algunos géneros que de alguna manera lo identificaron como una voz social de las periferias. Es así como  el Post Punk de MIDILab irrumpe en nuestros oídos, como uno de esos proyectos surgidos durante la etapa más dura de la pandemia y construidos en solitario, a través de lenguaje software musical y del laboratorio en casa, que hoy en día infinidad de músicos independientes construyen. 

Axel López es la mente creativa detrás de esta joven propuesta que desde el Post Punk, logra compartir una melancolía permanente y vigente donde el estilo del falso cantante, recuerda esas historias reminiscentes del olvido, la distancia y el amor; donde su ambiente disfrutablemente frío nos invita a mirar desde la contemplación, hacia adentro al encuentro con los más íntimo y básico del ser, su existencia y sus Demons, que desde su sutil obscuridad, nos seduce y nos hace bailar como si percibiéramos el todo en un mismo nivel, porque The Moment, puede ser solo una ocasión y tal vez nunca más se repita de la misma manera, como aquella donde fuimos sumamente felices.

Simulación/Simulación

Durante los últimos 20 años, la aparición del Post Punk alrededor del mundo, tomo un curso inusitado, posiblemente con el impulso dado por  bandas como Interpol, She Wants Revenge, y Motorama, entre muchas otras. Esta proliferación cualitativa de este género, abrió un espacio para su escucha en estaciones de radio, donde se programa Rock, además de su amplia incursión en plataformas de streaming, donde podemos saltar de América a Europa y de Asia a Oceanía escuchando música en este género.

Hoy en nuestro país, ya no se cuenta con los dedos de las manos las agrupaciones del Post punk mexicano. Simulación es una de las propuestas más jóvenes en este estilo, con su Ep homónimo, conformado por un cuarteto de piezas que nos transporta a un lugar donde la Oscuridad permea todo el ambiente posible,  como si cada uno estuviera Atrapado  en esos Sueños que se repiten evocando la ausencia de alguien en nuestras vidas; es como el dueto oaxacaqueño logra atraparnos.

Nicole Faux Naive/Moon Rally

Una de las personalidades jóvenes musicales que estará liderando esta tercer década del siglo XXI desde la melancolía, sin regodearse en las tendencias del Gothic Rock, podría ser la rusa radicada en Alemania Nicole Faux Naive, quien comparte con el mundo este 2022, su primer álbum Moon Rally, producción a la cual podríamos situar en una espléndida entrega inmersa en una ensoñación pop tan placentera, que difícilmente la alejaras de tus escuchas tan fácilmente.

Este disco, realmente nos puede llevar al punto de disfrutar lo fascinante que es sumergirse en melodías y en armonías a las que hemos aprendido a interpretar como referentes nostálgicos, que pueden acariciar aterciopeladamente con tal efectividad nuestros oídos, que al sentirnos inmersos en un ambiente donde reside con demasiada naturaleza una constante pesadumbre acerca del todo y la nada, la vida y la muerte, el amor y el odio, la soledad y la compañía, como resultado de los juegos constantes de los conceptos bipolares como lo hace la autora en el fragmento Writing a letter is better for the words, and you can keep it in your pocket or you can throw it away, But please, if you throw it away Let me stay in your brain…..de la pieza Imaginary Boy y así sucesivamente durante todo el álbum y sobre todo en Cry from the Backyard, Empty Summer, Sunday´s Child y así sucesivamente.

Escucha todos los viernes a las 17 hrs #LigaarteRADIO por En Neza Radio 97.3 FM y http://web.ennezaradio.com/

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Música a la mitad del 2022

Por. Salvador Cañas

Steven Brown/El hombre invisible

Desde la más pura tradición del falso cantante e inmerso en diversas referencias musicales, es como logra un matizado e interesante regreso el estadounidense Steven Brown (Tuxedomoon, Nine Rain) quien ha radicado en nuestro país desde hace dos décadas y que indudablemente nos regresa a un sitio el cual teníamos un poco olvidado en una memoria cada vez más volátil e imprecisa.

Piano, guitarra, trompeta, clarinete, sonidos del campo y de la ciudad y electrónica;  abordados desde su ya tan conocida y deliciosa experimentación, nos llevan a través de un viaje sónico, confeccionado con brillantes méritos estéticos que nos remiten a una larga y concisa trayectoria de músicas coloridas y enriquecidas de culturas diversas que en el siglo XXI, subrayan la multi e interculturalidad que en el caso particular de este músico, robustece la amplitud de sus horizontes sin fronteras.  

Sociedad Café/Clásico

Con más de dos décadas de trabajo erigido desde ciudad Neza, el rap-hip hop de Sociedad Café, despliega a través de una docena de finas piezas que nos permiten acercarnos a su amplia cultura musical mostrada desde sus samples que nos llevan a un viaje en el tiempo y en las geografías de sus procedencias, con la intención de subrayar el concepto que define a su propio trabajo y a esta su más reciente producción como Clásico y las diversas atribuciones temporales, estilísticas y líricas con las que se empata con el concepto.

También Don K-fe y Virus, aprovechan para referirse a la muerte con referencias a nuestras tradiciones con Camino hacia el Mictlán, así como la cultura de la movilidad sin motores en Estilo Tumbado, al igual que refiriéndose a las diversas situaciones de violencia en aumento en nuestro país con Estado crítico, sin duda, este álbum confirma porque han sido considerados uno de los músicos mexicanos de la rima más interesantes, influyentes e imperdibles de la cultura rap-hip hop de este siglo.

Nazdak Jones/ N.A.S.A

Mirando a las estrellas es el nombre del primer tema de este disco y también un buen comienzo para dejarse llevar a través del viaje sónico que Nazdak Jones confecciona al incorporar meticulosamente desde los primeros segundos a la escucha de su álbum N.A.S.A. loops, texturas y secuencias artificiales y manipulaciones digitales de sonidos análogos que nos envuelven en un ambiente, que aunque sónicamente arquetípico del concepto de lo espacial de la cultura popular, pero no por eso exentos de su propio estilo y valores estéticos musicales.

El músico consigue dejar claros sus trazos como autor, así como su huella geográfica como un referente en el universo al compartir su idea a propósito de México en el espacio, para también sugerir representaciones sónicas de la idea cada vez más cercana de Viaje a Marte y la posibilidad de encontrar uno de los recursos de vida considerados más importantes Agua en Marte, así mismo, a lo largo de catorce piezas, encontramos un juego constante con el vocabulario de lo referente lo que esta fuera de nuestro planeta, para delimitar un campo de acción conceptual musical alrededor de esto y del título del mismo.

ADULT/Becoming Undone

Después de un álbum concebido desde la obscuridad como interruptor de la experiencia cognitiva, el dueto originario de Detroit ADULT fiel a sus principios, continúan confeccionando desde el negro como un matizante inmerso en una realidad cotidiana que nos emite el mensaje Becoming Undone que posiblemente se acentuó con el paso de la pandemia y que muy probablemente con el curso del tiempo hacia el futuro, se remarque irremediablemente.

La voz de Nikola Kuperus acompañada de las secuencias electrónicas frías emitidas por Adam Lee Miller; que nos invitan a la danza repitiendo con una voz que parece que no escuchamos, que reflexionemos sobre que el todo esta situado en un punto de descomposición y disfuncional Undoing Undone, con la idea de mirar transformaciones humanas necesarias, que no están cimentadas en el optimismo barato de la publicidad simplona y artificial y que si nos enfrenta al sincero espejo Iam Nothing.

Melodys Echo Chamber/Emotional Eternal

La mezcla perfecta entre Dream Pop y Psicodelia se llama Melody Prochet, música francesa que con su tercera entrega Emotional Eternal y a una década de que se diera a conocer con uno de los álbumes homónimos más recordados a la fecha de dichos géneros, es como de nueva cuenta nos seduce sin el menor titubeo, llevándonos a una zona de ensoñación que nos parece familiar, sumamente colorida aunque bañada de cierta nostalgia donde la prevalencia de lo que se siente habitar en ese lugar que nos es compartido como un Personal Mesage, donde también eso a lo que hemos indefinido y a la vez valorado como esencia, se convierte en una transición en un Alma the Voyage, que tal vez esta en un trance donde podemos encontrar Pyramids in the Clouds y un lugar donde Where the Water Claers the Illusion.

Aunque fueron cuatro años de distancia entre Bon Voyage y esta su tercera producción, la espera ha sido excelentemente retribuida, con un bellísimo álbum que transita en la naturalidad de su regocijo sónico, semejante a esos sueños de los que nunca queremos regresar.     

Elena Setién/ Unfamiliar Minds

Una de las mujeres que ha llevado y traído a las músicas experimentales gran frescura durante la segunda década del siglo XXI, es indudablemente la donostiarra Elena Setién, quien ha colaborado con Fred Frith y John Zorn de distintas maneras, para colocarse en el escenario donde musicalmente hablando todo es posible y nada es definitorio.

En el álbum Unfamiliar Minds, el juego constante de los opuestos se despliegan libremente; lo que parece obscuro se ilumina, lo que se regodea en la experimentación se aterciopela y lo que se presenta como suave se convierte en áspero, procesos que podemos interpretar como transiciones y matices como la vida misma del resultado de dos años agudos de pandemia mundial y que quedan, me parece excelentemente abordados con 2020, Situation y This Short Life, trinomio de declaraciones donde el estar recluidos, los convirtió en crisis que a simple vista no lo parecían. La española confeccionó uno de los discos más interesantes resultado del par de años de emergencia sanitaria, asumiéndolo como parte del ambiente que se respiró y que nos marcó como humanidad, con un antes y un después.    

Deserta/Every Moment You Nedd

Hace dos años conocimos la primera entrega del ensimismado Matt Doty, mejor conocido como Deserta, que desde diversos sentidos nos recordó a varios momentos de la historia de ese Shoegaze atmosférico, deliciosamente frío y apasionadamente melancólico. Entre la referencia obligada y la frescura creativa que permitió el año más agudo de la pandemia, ese fue uno de los descubrimientos más afortunados de aquel momento.

Con Every Moment You Nedd, da continuidad a esa idea profunda por la búsqueda de la contemplación como un método que nos deja profundizar y trabajar con nuestros sentimientos y actos cotidianos, diríamos algunos, mirarnos con lupa hacia dentro.

El álbum me parece que puntualiza en continuar subrayando con atención, de dónde venimos Its All a Memory, aunque concluyamos de esto que diversas decisiones erróneas signifiquen el desencuentro A World Without, para que finalmente dicho desgaste de ciclos continuos sin transformaciones nos lleven a Im so Tired y otras cinco piezas que deambulan por los mismos horizontes.

Sea Change/Mutual Dreaming

Desde la electrónica experimental, ambiental y también sutilmente bañada de un pop a media luz, es como se pueden compartir sueños donde tal vez encontremos a alguien más como en Is There Anybody There, que también es donde la imaginación en modo automático juega con nuestra percepción, permitiendo que lo irreal irrumpa durante nuestros vuelos de descanso con tanta cercanía a lo fidedigno que nos propone la noruega Ellen A. W. Sunde, si pudiéramos desconectar nuestra cabeza del cuerpo y dejarnos llevar por los dictámenes del cuerpo a su contacto con la pieza Nigth Eyes y con otras de este álbum inmerso a la luz de las velas y que indudablemente es experimental y bailable a la vez e introspectivamente fascinante al arribar a su obscuridad total en Mirages.   

Nicole Faux Naive/Moon Rally

Si alguien esta hacienda música joven con claras reminisencias del ayer, claramente es la alemana Nicole Faux Naiv, que con su primera entrega nos parece que viajó del pasado para compartir un álbum tan luminoso como sombrío, Tomorrow was a Summer Day in 2001 e Imaginary Boy, donde la gelatina del reflector que lo enfoca, lo baña de un melancólico azul, sumamente presente en los tonos del arte del disco, así como en los matices de los videos y en los vestuarios de la autora. 

Muy probablemente el tema menos azul de este disco, es justamente Moon Rally, que interpretamos como la combinación de conceptos a propósito de un viaje hacia algo distinto y que incluso asumimos con su grado de apropiación desde la ficción literaria, para que partamos de un punto imaginario universal, hacia la esperanza en una lucha constante con su opuesto.

Con tal solo una decena de piezas, este álbum seguramente por muchos no será abandonado del todo en su reproducción, ya que en momentos nos puede remitir a The Cure, a Coeur de Pirate e incluso a Charlotte Gainsbourg,

Escucha todos los viernes a las 17 hrs #LigaarteRADIO por En Neza Radio 97.3 FM y http://web.ennezaradio.com/

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