73 Muestra Internacional de Cine. Del 30 de marzo al 16 de abril.

Por. Salvador Cañas

A lo largo de más de setenta ediciones, la sólida personalidad de la Muestra Internacional de Cine, sigue caracterizándose por seleccionar cada año, un panorama fresco del séptimo arte que viene marcando los discursos, las técnicas y las formas, que representan lo más destacado a nivel mundial, para situarse como una de las citas obligadas para cinéfilas y cinéfilos de largo aliento, de medio cabalgaje y también para quienes se van incorporando reciénteme a esta gran aventura audiovisual. 

En esta emisión, la curaduría fílmica esta conformada por 14 piezas de países como la India, Estados Unidos, Alemania, Suecia, Argentina, Ucrania, Turquía, Israel, Lituania, Colombia, Polonia, Cuba, Dinamarca, Islandia, México y Francia con presencia en varias coproducciones.

La pieza inaugural será la mexicana Dos estaciones de Juan Pablo González, galardonada en Sundance 2022 por la actuación de Teresa Sánchez, quien interpreta a una mujer que visibiliza la importancia de su presencia en la industria tequilera mexicana y la problematización de género en lo económico, lo cultural y lo social.

Dentro de esta edición, consideró imperdibles a La última función de cine del cineasta de la India Pan Nalim (Samsara, Angry Indian Godess), que puntualiza en la pasión por el séptimo arte desde la mirada de un niño, que con sus travesuras, logra convertir a esta narrativa, en un ejercicio homenaje y referencial a la producción cinematográfica de su país y de la historia mundial de este lenguaje artístico, de igual manera a la ópera prima de la cineasta argentina Sobre las nubes de María Aparicio, que logra compartir una historia intimista con ejes biográficos de su pasado citadino en una Cordoba que abraza a sus personajes en las crisis socio-económicas y culturales de nuestro tiempo, también la israelí Laila en Haifa de Amos Gatai (Kadish, Promise Land, Ana Arabia) quepropone miremos las historias de cinco mujeres, en un lugar donde nada es predecible, donde el fluir, permite que lo político, lo religioso, lo social, incidan como espejos de la multiculturalidad. Finalmente, la versión restaurada a tres décadas de su estreno de La doble vida de Verónica, del polaco imprescindible Krzysztof Kiéslowski (Decálogo, Tres colores: Rojo, Azul y Blanco), con la gran actuación de Iréne Jacob y la maravillosa banda sonora del compositor Zbigniew Preisner, logrará llevarnos al cine europeo de los años noventa a través de la narrativa que nos muestra la existencia de los y las dobles y la intercomunicación existente entre ellas.

La 73 Muestra Internacional de Cine se llevará a cabo del 30 de marzo al 16 de abril en las salas de la Cineteca Nacional, para continuar su recorrido en el Circuito Cineteca; así como en el Cine Tonalá, Le Cinéma IFAL, el Centro Cultural Universitario de la UNAM, el cinematógrafo del Chopo, Cinemanía Plaza Loreto, Centro Cultural Jaime Torres Bodet del IPN;. Además de cinco complejos Cinemex (Reforma Casa de Arte, Altavista, Duraznos, Insurgentes y Market Interlomas) y tres de Cinépolis (Diana, Plaza Carso y Samara).

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Para más información:

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Ellas hablan de Sarah Polley

Por. Salvador Cañas

No callar y escuchar, me parece que son dos conceptos preponderantes en la pieza Ellas hablan de Sarah Polley; donde la coralidad se convierte en un personaje inspirador de la idea del bien común, para enfrentar violencias físicas, sexuales y psicológicas, en una narrativa donde la injusticia es el espejo de un fantasma que desde el pasado prevalece hasta nuestros días.

Las actuaciones de todas y cada una de las mujeres de ésta historia, seguramente serán recordadas como una representación de la sororidad; primero en la contención, segundo por la protección, para que finalmente encuentre en la colectividad la emancipación ante la ilimitada violencia que sobrevive entre la neblina del silencio.

Ellas hablan es una denuncia que viaja del pasado hasta nuestro futuro, pensándolo como una línea temporal, donde el hilo conductor es justamente, la impunidad con la que muchos hombres han perpetrado actos inaceptables en cualquier sociedad donde se idealizan a la igualdad y al respeto, mientras habitando en lo secreto y lo oculto, ocurren actos en contra de las niñas y las mujeres.

Otro de los atributos de esta pieza, es el resultado de la adaptación que realiza su propia autora Miriam Toews a su libro Women Talking, el cual por un lado muestra la preponderancia de la fé como un sanador espiritual ante las experiencias de agresión, en esta comunidad de mujeres bolivianas, situadas en 2010, no muy lejos de nuestra realidad actual, lo que también nos resulta un llamado de atención, en un momento histórico donde supuestamente la sensibilización sobre las prácticas del machismo, se están trabajando en detrimento de esto mismo, cuando los índices, los números y las historias de hechos violentos, aparecen poco a poco, mostrando que hace falta mucho para erradicar dichos actos alrededor del mundo, representados en esta narrativa donde el auto cuidado en colectiva, es un acto político de lucha, que logra aunque sea desde la ficción, cambiar su realidad a través de la distancia como mecanismo de la liberación y la salvación terrenal y también esperital.

A su paso durante el 2022 por varios festivales antes de su llegada a México, esta narrativa ha sido nominada y galardonada en varias categorías donde se distingue su interesante dirección, las actuaciones, el guión y la música, que en conjunto, han conseguido realizar una de las mejores piezas fílmicas, sobre historias de mujeres, hechas por mujeres de los tiempos más recientes.

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Toloriu de Patricia Ordaz Cruz. Estreno simultáneo, marzo 17 en Cineteca Nacional y Cineteca Guadalajara.

Por. Salvador Cañas

La ópera prima de la joven cineasta mexicana Patricia Ordaz Cruz, sorprende al llegar directamente al documental y al largometraje, sin haber pasado por los cortos, ya que lo hace de una manera sumamente sólida, en cuanto a la forma, la técnica y el discurso, demostrando además que el presupuesto limitado, puede resultar no totalmente determinante en el resultado final del trabajo fílmico y si en los procesos de producción y en la toma de decisiones mismo.

Toloriu me parece que enfatiza en tres conceptos; la leyenda, la migración y la nostalgia, donde la autora logra que converjan en la historia de este pueblo abandonado, sus tradiciones y sus fiestas como remanentes que activan una nostalgia taciturna en la memoria de los y las abuelas, hijos y nietos. En cuanto a la migración, la cineasta reflexiona ubicando tres posibilidades en la misma narrativa, primero la que surge a partir de la llegada al poblado de la princesa Nahualt, hija del emperador Moctezuma, en segundo momento el abandono de los habitantes de este poblado como otro proceso de movilidad y por último, el arribo de la música mexicana a través de la radio a Cataluña, en tiempos de Franco.

Visualmente, la novel cineasta confecciona un poderoso registro de la zona montañosa y fría donde está ubicado este poblado, donde también lo inhabotado se ilumina con la abundante blancura de la nieve del otoño que cubre la modesta arquitectura conjunta y que resbala por los techos y las colinas, de este lugar al que solamente se accede caminando sobre los verdosos altiplanos.

Ordaz Cruz, reconoció en la charla de presentación de su pieza en Cineteca Naciolnal, la influencia en su primer trabajo y en su formación académica, a la obra de cineastas documentalistas como Tatiana Huezo, Everardo González y las cineastas extranjeras Chantal Akerman (Yo, tu, él, ella, No hay película, Cautiva) y Agnés Varda (Sin techo ,ni ley, Rostros y lugares, Agnés por Varda),

En Toloriu, un pueblito enclavado en el Pirineo catalán, se cuenta la leyenda de Xipahuatzin una hija del emperador azteca Moctezuma traída aquí por el Barón Joan de Grau quien fue compañero de Hernán Cortés durante la Conquista de México. Unos años después de su llegada, la princesa murió de tristeza, tal vez incapaz de adaptarse al frío invierno de las montañas.

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Cine de mujeres mexicanas, que luchan, rompen el silencio y denuncian

Por. Salvador Cañas

En el marco del #8M, lo que ampliamente esto significa y aprovechando la amplia producción que afortunadamente cada vez es mayor de cine realizado por mujeres cineastas, guionistas, fotógrafas, diseñadoras de sonido, entre otras venas de creativas que hacen posible que el séptimo sea un conjunto de artes en uno solo, es que les comparto, una breve selección de piezas fílmicas realizadas por mujeres, donde abordan sus situaciones y problemáticas en el México actual, de donde les comparto breves comentarios a propósito de películas de cineastas mexicanas, que por aquí hemos reflexionado en los últimos cuatro años y que me parece necesario, no perderlas de vista como testimonios de realidades extraídas de una memoria a la que hay que recurrir de manera frecuente, para insistir en que la lucha por sus derechos, la equidad y la justicia aun no han sido alcanzados del todo y que la violencia de género durante los últimos años, no es un flagelo que disminuya sino por el contrario eleva sus niveles.

Huesera de Michelle Garza Cervera. La mirada más fresca del horror en México.

Manto de gemas, la ganadora del Oso de Plata de Natalia López Gallardo. Estreno en salas 9 de marzo.

Albedríos. El poder de la experimentación audiovisual.

Users de Natalia Almada. Estrena en salas el 8 de septiembre

Corazón de Mezquite de Ana Laura Calderón. 6o Talento emergente de Cineteca Nacional. Del 10 al 27 de septiembre

Nudo Mixteco de Ángeles Cruz, inaugurará la 71 Muestra internacional de cine del 8 al 25 de abril

La Civil de Teodora Mihai. Estreno nacional el próximo 19 de mayo

La diosa del asfalto de Julián Hernández. Se estrena el 29 de abril en Cineteca Nacional.

La vocera. FICUNAM 11

Niña sola de Javier Ávila. Estreno febrero 11 en salas de la cdmx y del interior de la república mexicana.

Volverte a ver de Carolina Corral Paredes. DOCSMX 15

Negra de Medhin Tewolde. Ambulante 15

Birth Wars de Janet Jamar. Ambulante 15

Give Me An A. Inauguró Macabro XXII

Por favor no me abandones del cineasta independiente Antonio Rotunno, en estreno nacional.

Valentina o la serenidad de Ángeles Cruz, un viaje íntimo sobre las infancias y el duelo

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Huesera de Michelle Garza Cervera. La mirada más fresca del horror en México.

Por. Salvador Cañas

Michelle Garza Cervera con su primer largometraje, pone sobre la mesa importantes cuestionamientos a propósito del deber ser de la mujer, desde aquello denominado rol de género y sus diversos campos de operación como el de los planteamientos de la familia con un molde específico a seguir, entre otros.

También desromantiza a la figura amorosa de la mujer embarazada y despliega las diversas problemáticas socio-emocionales que de este lapso de tiempo de nueve meses se puedan desprender, como lo son la depresión durante dicho proceso y en el post parto.

Esta ópera prima, confeccionada con un exquisito tratamiento audiovisual estéticamente desde los parámetros del cine de horror, no solamente inquieta por estos pasajes narrativos, que sobre todo, nos llevan a entender el uso constante de la metáfora referida al concepto de romper; de romper aquello que nos oprime, que nos presiona socialmente, generando malestar y desestabilización hacia adentro y hacia afuera.

Garza Cervera con Huesera, me parece que cinematográficamente hablando, hace varias referencias con respecto a algunos clásicos del cine de horror, como al de las piezas de Roman Polamski El bebé de Rosemary y El inquilino, a Possession de Andrej Zulawazki y a la japonesa El aro de Hideo Nakata, tres ejemplos donde el embarazo, el nacimiento, la estigmatizada representación de la mujer como un ente maligno vehículo de desgracias e incubadora de lo maligno y lo que ocurre al interior de un departamento, convergen en una narrativa que posiblemente es sutilmente aprovechada para referirse a su pasión por el cine de horror mundial.

A lo largo de esta historia, lo que en apariencia se muestra como confusión y caos en la protagonista de esta narrativa, en realidad es una lucha existencial y social, sobre lo que está haciendo en su vida y lo que realmente quiere hacer y ser; a través de la metáfora de una liberación que significa despedazar una telaraña que aprisiona y asfixia; como los son todos esos supuestos compromisos dados simplemente por ser de un género determinado y que justo es lo que la cineasta logra imprimir a través de su personaje protagónico y que con la manera intimista con la que fue trazado, es como da contundencia a su comentario crítico sobre el rol de género de las mujeres.

Este drama de horror que fue galardonado  en el Festival de Cine de Tribeca, con el premio al Mejor Director Nuevo de Narrativa y el galardón Nora Ephron, que se entrega a talentos femeninos, retrata a una sociedad mexicana, igualmente espejo de otras que convergen en prácticas, que reproducen un patriarcado instaurado cómodamente desde el ámbito familiar.

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Manto de gemas, la ganadora del Oso de Plata de Natalia López Gallardo. Estreno en salas 9 de marzo.

Por. Salvador Cañas

Partiendo desde la mirada del tejido social como metáfora de la coralidad de la comunidad que la autora registró, para formular un pasaje del prisma de las violencias del México actual, donde Manto de Gemas insiste en que escuchemos y miremos lo que parece que no se oye y no se ve, es como la cineasta mexico-boliviana, Natalia López Gallardo, ganadora con el Oso de Plata en la Berlinale del 2022 y el Premio Ojo a la mejor Dirección en el FICM 2022, firma a la que podríamos considerar como una de la piezas fílmicas que por fortuna, es una de las menos complacientes del séptimo arte de nuestro país a propósitos de estos temas, para plantear una problemática orgánica de las violencias imbuidas en comunidades y regiones específicas del territorio nacional, en el marco de las historias entrelazadas de tres mujeres.

Esta narrativa, nos invita a pensar en el miedo como un responsable de los desplazamientos forzados, también las dimensiones en la que el miedo ha provocado que hombres y mujeres se unan a las filas del crimen y el miedo de ser alcanzadas y alcanzados por el secuestro expres, la desaparición, el homicidio, el feminicidio, la trata de personas, la explotación sexual y el tráfico de órganos, entre otras manifestaciones que las organizaciones delictivas han sumado a sus prácticas en el siglo XXI.

También con Manto de gemas, la cineasta se refiere al dolor permanente, vigente y silencioso que miles de familias viven en nuestro país, como si todo esto fuera una enfermedad degenerativa, incurable y que como aspectos en conjunto, nos hacen reflexionar sobre el dolor, la empatía y la culpa, que están orgánicamente conectados desde el tejido social comunitario que se nos presenta.

Otros de los atributos de esta pieza, son su ambientación inmersa en una obscuridad que permea irremediablemente la vida cotidiana de estos personajes, a lo largo de esta ficción, que nos imbuye en un sentimiento colectivo de desolación y desesperanza; lo que nos hace pensar que su autora, nos ofrece mayormente una experiencia, que esta meticulosamente confeccionada desde su forma y estética a través de su personal representación audiovisual, la cual es resultado de su investigación acerca de la vida cotidiana en el estado de Morelos.

Finalmente, diría que un detalle sumamente importante en el resultado final, para la ópera prima de esta cineasta, es que un noventa por ciento de los personajes, son actores naturales y que son quienes justamente viven es dicho poblado, donde su vida diaria, supera cualquier ficción inspirada en esta.

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